Leggi 6° edizione del Video Festival Imperia Persinsala

Parte la 6 edizione del Festival Internazionale d’Arte Cinematografica Digitale di Imperia, organizzato in collaborazione con Cineforum.

Il Video Festival Imperia e’ stato inserito dall’UNESCO nella lista dei tredici festival più importanti al mondo, unico in Italia per Tutela, Salvaguardia e Diffusione delle Diversità Culturali.

Le categorie competitive saranno riservate a Professionisti, Amatori e Autori Internazionali dedicate a film, cortometraggi, documentari, opere di animazione, videoclip, Visual Effect, video-album e scuole, mentre la categoria Explorer vedrà in concorso documentari Turistici e Naturalistici.

Inoltre si potra’ assistere alla terza edizione del Festival dei Festival (riservata a tutti gli altri Festival Internazionali che parteciperanno con le opere premiate nella loro ultima edizione), e al Concorso Grafico per l’ideazione dell’ immagine.

Sara’ possibile iscrivere gratuitamente la propria opera entro il 24 gennaio 2010 per il concorso nazionale, entro il 7 febbraio 2010 per quello internazionale.

Il festiva si terrà dal 12 al 16 aprile 2011.

Per maggiori informazioni e per scaricare la modulistica necessaria:

• www.videofestivalimperia.org
• info@videofestivalimperia.org

Leggi I vincitori del Clorofilla Film Festival 2010 Persinsala

Dieci inverni di Valerio Mieli e Diciotto anni dopo di Edoardo Leo sono i lungometraggi vincitori del Clorofilla film festival.

Leggi Contàr Violeta Parra di Francesca Brusa Pasqué Persinsala

Venerdi 10 settembre 2010, alle ore 21.00, presso la Villa Sormani di Mariano Comense, all’interno dell’undicesima edizione del Festival Il Paese dei Raccontatori, avrà luogo l’atteso debutto di “Contàr Violeta Parra”, lo spettacolo teatrale liberamente ispirato alla vita e all’opera della celebre artista cilena, autrice di canzoni indimenticabili come “Gracias à la vida”.

Uno spirito libero e appassionato che ha colpito profondamente Francesca Brusa Pasqué, al punto da condurre l’attrice ad approfondire il suo percorso artistico per avvicinarsi quanto più possibile alla sua complessa esperienza umana.

Meritano una nota, per il loro interesse e la loro particolarità, le scenografie di “Contàr Violeta Parra”: realizzate da Ines Cappellari in stretta collaborazione con l’attrice, risentono della suggestione dei quadri dell’artista cilena per la scelta dei colori e per il taglio prospettico dell’ambiente che, a partire dallo spazio vuoto, il personaggio dipana e costruisce pian piano.

Poetessa, cantora, musicista, pittrice e scultrice, ricercatrice e studiosa del folclore cileno, Violeta Parra è una figura che ancora oggi suscita interesse, oltre che per la sua arte, per come affrontò la vita: donna piena di energia e di rabbia, eppure dolce e passionale, fragile come la creta (“Santa di pura creta”, la definisce Pablo Neruda), mossa da grandi ideali, grande creatività e senso artistico. Lottò strenuamente per i suoi ideali, denunciò la povertà, gli abusi, cantò le ingiustizie, ma ringraziò la vita fino alla fine, fino al giorno del suicidio, cantando “Gracias à la vida”, la canzone che la rese famosa in tutto il mondo, prima di chiudere il suo ultimo concerto. Di tutto questo si narrerà nello spettacolo, in cui racconti, musica, poesie, colori, daranno vita al personaggio, nel tentativo di restituire, almeno in piccola parte, la sua profonda umanità e la sua grandezza.

CONTAR VIOLETA PARRA di e con Francesca Brusa Pasqué
Scenografie e costumi: Ines Cappellari

Venerdi 10 settembre 2010, ore 21.00.
Villa Sormani, Via Montebello 36 – MARIANO COMENSE (CO)

INGRESSO LIBERO

Per maggiori informazioni sullo spettacolo: www.francescabrusapasque.net

Leggi A Vado (PU) la Mostra Nazionale del Tartufo Bianco Pregiato Persinsala

La Mostra Nazionale del Tartufo Bianco Pregiato delle Marche approdata alla sua 47°edizione.

La manifestazione si svolge a Sant’Angelo in Vado (PU) nelle Marche, dura quattro fine settimana dal 9 al 31 ottobre.

Anche quest’anno il programma dell’evento vanta numerose novità ed ospiti rinomati, oltre ad iniziative ed eventi che richiameranno l’attenzione di molti turisti.

Durante la Mostra del Tartufo si danno appuntamento anche gli amanti dello sport, migliaia di centauri e camperisti che si reincontrano di edizione in edizione per il Raduno Nazionale Camperisti e il Motoraduno Internazionale. Inoltre, aprono al pubblico i ristorantini adibiti nelle cantine monumentali, dove dal Settecento di produce il Vino Santo, per offrire prelibati menù tradizionali a base di tartufo bianco realizzati dalle mani sapienti dei migliori chef locali; tutte le piazze si fanno palcoscenico per artisti di strada e geniali musici; i monumenti e il territorio circostanze diventano percorsi di trekking sia rurale che urbano alla scoperta di tesori architettonici e paesaggistici nascosti. Mercatini di prodotti tipici locali e di tartufo pregiato permetteranno ai visitatori di portare a casa profumati cadeaux.

Per informazioni e prenotazione visite guidate:
Segreteria Mostra del Tartufo tel. 0722 819924 – fax 0722 819925
E mail: info@mostratartufo.it; info@domusdelmito.com;
sito: http://www.mostratartufo.it/

Numeri utili
Segreteria Mostra Tartufo 0722 819924
Comune Sant’Angelo in Vado 0722 819901
Comunità Montana Alto e Medio Metauro 0722 318052
Centro Sperimentale Tartuficoltura 0722 88008

Leggi Riccardo Chicco: un dandy curioso e inquieto al Gran Carnevale del Novecento Persinsala

«Essi continuarono la loro strada, andando sempre senza sapere dove andavano, benché sapessero pressappoco dove volevano andare, ingannando la noia e la fatica con il silenzio o con le chiacchiere, come sono soliti coloro che camminano e talvolta anche coloro che stanno seduti».

Così Diderot nel suo famoso non-romanzo Jacques le fataliste et son maître ideò l’incerto peregrinare dei protagonisti per metaforizzare l’idea di come la vita di ciascuno sia inestricabilmente legata al fato. E parlando di Riccardo Chicco (1910-1973), il poliedrico e geniale artista torinese attualmente oggetto di numerose rassegne che lo celebrano a cento anni dalla nascita, non si può appunto fare a meno di riflettere su come alcune esistenze che procedono con brucianti progressioni, altrettanto repentine interruzioni e recuperi, coincidano perfettamente con periodi storici ricchi di aperture, di cambiamenti, di promesse, ma anche grondanti di contraddizioni, di disillusioni e di brutali ripiegamenti. Come se il singolo e i più, il collettivo, coesistessero in un medesimo paradigma evolutivo, simbioticamente assoggettati a quello che sta scritto lassù, nel rotolo tracciato dalla mano inesorabile ed enigmatica del destino.

Chicco nasce a Torino in una famiglia di mercanti imprenditori legati alla fiorente industria agricola della bachicoltura (il padre Piero, attraverso le sue filande che producevano una raffinata seta greggia, allacciò rapporti d’affari in tutto il continente europeo), proprio quando inizia a percepirsi in modo sempre più netto che dietro al festoso e aristocratico ritratto della cosiddetta belle époque, si celava quella crisi, quel malessere sociale che avrebbe trovato un naturale sbocco nella prima guerra mondiale (1914).

Da un lato, infatti, si propagava l’ottimistica fede in un progresso scientifico, tecnico ed economico che appariva in grado di risolvere ogni problema umano (il famoso ballo Excelsior coreografato da Luigi Manzotti su musica di Romualdo Marenco, dalla prima alla Scala di Milano del 1881 continuò a mostrare con successo ininterrotto nei teatri di tutto il mondo la simbolica vittoria della civiltà sulla barbarie), dall’altro però ci si rese via via conto che questa “felicità” universale era solo apparente, dato che il benessere toccava una percentuale tutto sommato ristretta della popolazione, mentre l’irresistibile evoluzione della tecnologia pareva sempre più in grado di meccanicizzare la specie uccidendone la spiritualità (in tal senso l’allarmato filosofo francese Henri Bergson invitò suoi contemporanei a cercare un «supplemento d’anima»).

Le suggestioni che stimolarono Chicco all’inizio del suo cammino artistico nel capoluogo sabaudo, nascono proprio dalla esigenza di evadere dalla materialità volgare e inquietante della realtà, dalla necessità di rifugiarsi in un mondo intimo e raffinato, fatto di sogni e di immaginazione (le coeve scoperte di Freud parevano infatti adattarsi perfettamente al segno pittorico), libero come la musica, sganciato dalle leggi rigorose della razionalità.

La scuola tradizionale del paesaggista e ritrattista Vittorio Cavalleri frequentata dal nostro a sei anni e quella molto più stimolante di Giovanni Grande, in cui Chicco, dai quindici ai diciotto anni studiò nudo e figura andando oltre i classici riferimenti accademici (Grande, ritrattista virtuoso e ribelle, era famoso per la sua poliedricità, per aver sperimentato i più svariati modi artistici che lo portarono, tra l’altro, a diventare un collaboratore della prestigiosa industria torinese di ceramiche Lenci insieme a personaggi come Marcello Dudovich, Giovanni Ronzan, Mario Pompei e Gino Levi-Montalcini), risentivano, infatti, del fecondo quanto isterico clima culturale propagato in ogni angolo d’Europa da correnti come l’espressionismo, il simbolismo o il surrealismo.

Movimenti che partendo dalla nietzschiana consapevolezza che “Dio è morto” e con lui tutti i riferimenti illusori su cui si era fondata la società ottocentesca, miravano a recuperare la spiritualità di tutto ciò che esiste nella realtà ma non è visibile ad occhio umano, nonché a liberare l’inconscio, a trasportare dal piano emotivo a quello figurativo (ma anche letterario e cinematografico) le inquietudini percepite da una quota sempre crescente della popolazione. Anche in virtù della grave infermità che lo colpì all’anca dopo soli pochi mesi di vita lasciandolo per sempre claudicante, Chicco sviluppò quella sensibilità che gli permise di comprendere il disagio interiore provato dai suoi coetanei che pur beneficiando del rapido progresso sopraccitato, ne pagarono però anche il prezzo in termini di scontri antagonistici, di classe, i quali, dopo aver attraversato tutte le società europee, si scaricarono proprio sulle spalle delle giovani generazioni falcidiate in larga parte dal primo conflitto mondiale.

La sua esperienza alla scuola di Felice Casorati in via Galliari, frequentata a partire dai 18 anni, si nutre appunto delle contraddizioni di una società che inebriata dalla baluginante frenesia, dalla ipnotica lucentezza della vita urbana («la magnificenza del mondo si è arricchita di una bellezza nuova: la bellezza della velocità» diceva Filippo Marinetti nel Manifesto del futurismo), pare danzare gioiosa sul filo teso attraverso l’abisso.

Accanto a veterani come Daphne Maugham e Nella Marchesini, a giovani come Cremona, Bonfantini, Galvano, Avondo, Martina, Paola Levi Montalcini e ad amici come Mino Maccari, Cino Bozzetti, Velso Mucci e Luigi Spazzapan, Chicco si lancia in accese discussioni che da Gide, Joyce (il cui Ulysses è conosciuto grazie alla traduzione di alcuni brani pubblicati sulla rivista “Convegno”) e Céline, arrivano sino alla necessità di adattare le diverse teorie estetiche delle avanguardie al rinnovato immaginario colettivo generato dal brutale conflitto bellico. Il motto rappel à l’ordre («ritorno all’ordine») del critico francese Maurice Raynal, se venne interpretato dai nascenti nazionalismi come un recupero della tradizione in senso reazionario, andava, invece, nelle intenzioni dell’autore, nella direzione di una ricerca che potesse materializzare una più efficace e logica sintesi tra l’esistenza contemporanea e la sua rappresentazione. In tal senso, mentre movimenti artistico-letterari come il noto “Strapaese”, promosso intorno al 1926 da Mino Maccari, Leo Longanesi e Curzio Malaparte opponevano gli autentici valori popolari del nostro paese a qualsiasi influsso culturale straniero e riviste come “Valori plastici” (fondata nel 1918 da Mario Broglio), esprimendo una concezione idealista della pittura metafisica, operavano per sprovincializzare l’arte nazionale, proprio Torino conobbe in quegli stessi anni la portentosa affermazione della settima arte, la quale, tramite il fotografo e commerciante Arturo Ambrosio (con la sua casa di produzione realizzò nel 1908 Gli ultimi giorni di Pompei, primo vero successo internazionale del cinema italiano) e il geniale artigiano Giovanni Pastrone (con l’ormai mitico Cabiria del 1914), annunciava a tutti che una nuova percezione dell’esistente, quella dell’illusione dello spettacolo ”realistico”, poteva infine prendere il posto della realtà fenomenica.

Chicco, in modo emblematico, dimostrandosi poco interessato al trionfante clima razionalista che portò Casorati a recuperare la tradizione rinascimentale da lui intesa come il conferimento di un ordine umano alle cose reali (si pensi alle celebri Uova sul cassettone del 1920) e, soprattutto, il movimento artistico “Novecento” (fondato da Margherita Sarfatti, amica di Mussolini e collaboratrice dell’organo ufficiale fascista “Popolo d’Italia”) a idealizzare un’arte monumentale, sociale, educatrice, caratterizzata da figure classicamente arcaicizzanti e architetture romaneggianti («risultato di una severa disciplina interiore»), decise di assecondare la sua naturale propensione agli scambi culturali, all’ibridazione figurativa, di alimentare quell’immaginario grottesco e popolare che segnerà in parte l’essenza dello spettacolo cinematografico, inseguendo le suggestioni creative che provenivano da frenetiche realtà quali Londra, Parigi e Monaco.

Dopo l’esordio alla Società Promotrice delle Belle Arti di Torino del 1931, infatti, Chicco a Londra si farà letteralmente assorbire dai vortici di linee e luci di Turner (definito dallo stesso artista piemontese molti anni più tardi “l’ultimo pittore”), all’Alte Pinakothek di Monaco assimilerà il decisivo insegnamento di Rubens, dei fiamminghi, dei veneti del Cinque-Sei-Settecento e a Parigi apprezzerà dal vivo autori come Cézanne, Van Gogh, Matisse, Dufy ed Ensor, frequentando pure la celebre scuola di copia del Louvre.

A contatto con i pittori espressionisti e fauvisti d’oltralpe e lontano dalle rivalità e dalle polemiche stilistico-contenutistiche che dividevano i movimenti sopraccitati e provincializzavano sempre più l’arte italiana, il giovane sabaudo ebbe così la possibilità di comprendere fino in fondo l’importantissimo ruolo della forma nella rappresentazione e soprattutto di esplorare senza remore accademiche l’inesauribile, avvolgente energia materica del colore, con cui la pittura si sforza di armonizzarsi ai valori volumetrici della realtà.

Attraverso questo processo conoscitivo e al cospetto di influenze così diverse, Chicco riuscì così a conciliare progressivamente la sua innata aggressività caricaturale (testimoniata per esempio da quelle esili figure umane, tirate a sciabolate di matita, a grandi virgolature, che esprimono tutta l’amara derisione del pittore verso gli atteggiamenti e le convinzioni dei suoi contemporanei) con una inedita capacità di utilizzare la luce e il colore al fine di illustrare il grande spettacolo del mondo nella sua corporeità, nella sua essenza materica. In tal senso, all’amore incondizionato per la natura vivente e visibile rappresentato dai luminosi, depisisiani scorci londinesi, parigini e torinesi, dalle cascate di fiori di cui si può percepire la delicata carnosità di una corolla, la robustezza di uno stelo, l’autore torinese avvicina un’attenzione ai problemi essenziali dell’individuo e della società in cui i preziosismi linguistici e materici e la sottile ed inquieta indagine dei costumi si intrecciano tra loro generando immagini pungenti capaci di provocare in egual misura seduzione e repulsione.

Tanto che a ben guardare, si potrebbero trovare dei legami di parentela tra i pupazzi, i personaggi da mascherata che popolano molte opere dell’artista subalpino (si pensi all’Uomo in frac e cilindro anni ’50 – ’60) e le turbe chiassose, le masse anonime di fantocci privi di anima e di idee che accompagnano Cristo in corteo di Ensor (L’ingresso di Cristo a Bruxelles, 1888-’89), gli sguardi rassegnati di coloro che cercano di scrutare il futuro della civiltà di Kokoschka (Ritratto del professor Forel, 1910), i sofferenti popolani dai tratti allungati e distorti condannati al martirio dalle spietate leggi del capitale di Beckmann (La Notte, 1918), i repellenti borghesi di Grosz (Le colonne della società, 1926), i nudi femminili già contaminati dalla mercificazione dei corpi della nascente société du spectacle consumériste di Kirchner (Marcella, 1910).

I distinti professionisti, le fascinose signore della buona società che vanno nello studio di Chicco a farsi fare il ritratto, appartengono, difatti, in un modo o nell’altro, a quella borghesia oggetto delle rappresentazioni dell’espressionismo europeo. In fondo “uomini senza qualità” nel preciso senso della definizione musiliana, dato che la generale crisi di civiltà che si è aperta con la prima guerra mondiale (e che è proseguita con un conflitto ancor più terribile suggellato da un’atomica che ha reso difficile una chiara distinzione tra Bene e Male, tra “buoni” e “cattivi”), condanna gli sfruttatori (ma anche gli sfruttati, i proletari) ad una crescente incapacità di orientarsi in un mondo sempre più senza valori, ad una impossibilità di identificarsi con un’arte o un ruolo certo e definito. Da qui le maschere, le deformazioni grottesche assai diffuse nelle opere espressioniste di quegli anni che pongono in evidenza l’assurdo dell’esistenza umana e di ogni società organizzata, la relatività di qualsiasi movimento riformista o rivoluzionario, dato che il denaro, la proprietà, come dimostra l’equivalenza quasi totale tra la cosiddetta buona società e la malavita che paiono intrecciarsi e copiarsi ab aeterno, sembrano essere l’unica reale “potenza”, gli unici perni di sensatezza accettati dai più.

E Chicco come Diderot secoli addietro, vuole perdersi in questo labirinto psicotico, non tanto però per prendere posizioni decisive contro il Potere (rispetto a Casorati che sposò la vis politica intransigente di Gobetti, il nostro fu sempre, fondamentalmente un impolitico), ma per capire, per conoscere meglio la specie alla quale appartiene e ciò che la circonda. Egli sa che la pittura, più che un’infallibile arma di denuncia è un luogo euristico per eccellenza, ove si può dubitare di ciò che si è detto, di ciò che si dice e si dirà e quindi, senza lanciarsi in affermazioni apodittiche, usa uno humour pungente per tentare di soddisfare la sua grande curiosità di fronte al “gran teatro” delle cose e degli uomini.

I suoi oli, le sue produzioni di grafica, i suoi disegni e le sue caricature eseguite negli anni per Stampa Sera, La Gazzetta del Popolo, Il Radiocorriere e Momento Sera, non sconfinano mai nella canzonatura da baraccone o nel sarcasmo disperato, ma tradiscono un’esaltazione per quell’atmosfera frenetica, carnevalesca in cui la vita cresce e si rinnova di continuo nella sua evoluzione (inaugurando una mostra nel 1964, a proposito dell’arte, Chicco disse che essa nasce dalla triste consapevolezza della nostra mortalità «È questa certezza a dare al nostro cervello il grado di lucidità indispensabile per tentare di “rallentare” di qualche attimo la fine della nostra presenza vitale, a creare qualcosa di disperatamente contrario al ritmo febbrile degli eventi»).

E d’altro canto il comico, il sociale ed il corporeo che segnano le sue opere sono testimoni delle tante storie raccolte andando in giro per il mondo, delle mille avventure accadutegli (durante la Seconda guerra mondiale verrà addirittura arrestato perché sospettato di essere una spia inglese), del suo grande amore per le donne (a cominciare da sua madre Maria Elisabetta che lo guiderà nei primi esperimenti di disegno alimentando la sua innata sensibilità) e a ben vedere, di quell’amor sui, di quell’”amore di se stesso” alla moda settecentesca, libertina, come ci induce a credere la cura che l’artista dedicava alla sua persona (faceva ginnastica tutte le mattine, si radeva due volte al giorno, non trasgrediva mai al beauty sleep pomeridiano, faceva sfoggio di splendide collezioni di pipe, cravatte e cappelli), che permette l’uscita da sé e la completa oggettivizzazione con tutto ciò che ci circonda.

Chicco è scomparso in modo emblematico nel 1973, quando nel capoluogo subalpino soffiava l’ultimo, spensierato refolo di belle époque portato dal famoso romanzo di ambientazione sabauda La donna della domenica di Fruttero e Lucentini (poi trasposto felicemente in pellicola da Luigi Comencini nel 1975), prima che il paese entrasse nella stagione sanguinosa e violenta degli anni di piombo e in quella altrettanto pericolosa dell’omologazione e dell’oblio cerebrale generati dalle varie TV commerciali.

La sua squisita cultura, la sua infinita ironia, la sua geniale stravaganza, l’originalità delle sue ricerche pittoriche condotte sempre sulla base dell’insegnamento di Valéry per cui l’artista deve dare una sensazione, ma non la noia di comunicarla e nella consapevolezza che il dipinto, per dirla alla Lacan, alla Foucault, può essere una stimolante «trappola per lo sguardo», si caratterizzano come delle qualità di raro pregio in un mondo come il nostro divenuto una sorta di mercato universale di merci, di valori, di segni e di modelli in cui essendo di fatto scomparsa la distanza tra il reale e l’immaginario, l’arte è diventata così vuota, così trasparente, che alla fine, come afferma Maurizio Cattelan «sono gli spettatori stessi a fare il lavoro degli artisti».

Ricordare Chicco a cent’anni dalla sua nascita, significa quindi, prima di ogni altra cosa, rendere omaggio a quei creativi che con le loro opere fatte di intelletto e di vita vissuta, avevano tentato di allontanare il prosciugamento, l’inaridimento di ciascun mondo interiore originati da una realtà, che per acquistare il peso che le spetterebbe di diritto, deve spettacolarizzarsi sempre più ogni giorno che passa. Artisti che con il loro stile visionario e provocatorio, riflesso del proprio modo di essere, hanno dato corpo al sogno che un bagliore di eleganza, di intelligenza e di ribellione, avrebbe continuato ad illuminare per sempre la vita del loro pubblico.

Leggi Il Palio della Rocca a Pesaro Urbino Persinsala

Nel week end dell’11 e 12 settembre, ai piedi del Monte Catria, nella Serra Sant’Abbondio, in provincia di Pesaro e Urbino,  si svolgera’  il Palio della Rocca in onore dell’edificazione da parte dell’architetto militare Francesco di Giorgio Martini, durante il governo del duca Federico da Montefeltro (1444-1482), della Rocca di Serra.

Per maggiori informazioni: www.ssabbondio.it

Programma

SABATO 11 SETTEMBRE

Ore 16:00
Vivere il Medioevo

Lo castello de le arti e de li Mestieri

Arti e mestieri nell’antico borgo a cura dell’Associazione “Sestriere Castellare” di Pescia e della compagnia d’arme “Grifone della Scala” di San Severino Marche .

Ore 17:00
Conosci il Medioevo

“Serra Sant’ Abbondio e i duchi di Urbino”

Tavola rotonda presso la sala consigliare del Comune con l’intervento di storici e studiosi.

Ore 18:30
Il rito

L’inizio de li Giuochi

Il notaro legge il bando, apertura solenne della manifestazione.

Ore 19:00
Vivere il Medioevo

Le Milizie ne lo Castello

Spettacolo di combattimenti medievali nell’antico borgo a cura della compagnia d’arme “Grifoni della Scala” di San Severino Marche.

Ore 19:00
Le tipicità

Osteria de li Castelli

Apertura osterie e Taverna con specialità nostrane.

Ore 21:00
La cerimonia

Corteo dei Castelli e de lo Duca

In una cerimonia solenne il Duca d’Urbino consegna ai castellani di Serra Sant’Abbondio lo statuto del Palio della Rocca con la presenza del gruppo storico di Urbino.

Ore 22:00 Il teatro

“Pannocchia, carestie e morti di fame”

Spettacolo teatrale a cura della compagnia teatrale “Poco Stabile”.

Ore 23:00
Vivere il Medioevo

Musici pe le strade

Spettacoli itineranti per le vie del centro storico con l’intervento del gruppo storico

“Tamburini” di Serra Sant’ Abbondio.

DOMENICA 12 SETTEMBRE

Ore 15:30
Vivere il Medioevo

Lo castello de le arti e de li Mestieri

Arti e mestieri nell’antico borgo a cura dell’Associazione “Sestriere Castellare” di Pescia e della compagnia d’arme “Grifone della Scala” di San Severino Marche .

Ore 16:00
La Cerimonia

Lo grande Corteo

Parata in costume dei signori dei castelli e delle compagnie figuranti, il castellano di Serra Sant’Abbondio dà il benvenuto ai suoi ospiti.

Ore 17:30
La piccola sfida

Lo Palio dei Monelli

I bambini dei castelli si sfidano in una prima corsa delle oche

Ore 18:00
La sfida

Palio della Rocca

-ANNO DOMINI 2010-

Al sesto rintocco della campana la storica disfida tra i castelli con la famosa CORSA DELLE OCHE

Ore 19:00
Le tipicità

Osteria de li Castelli

Apertura osterie e Taverna con specialità nostrane.

Ore 21:30
Il teatro e la danza

“Il sogno nella terra di Extremelot”

Spettacolo teatrale e danzante a cura del gruppo “ Puellae Leggiadre”

Ore 23:00
Gran finale

Li fuochi de Sant’Onda

Spettacolo pirotecnico

MERCOLEDì 15 SETTEMBRE

Ore 8:00
La Fiera de lo Santo Abbondio

Ore 20:00
Il rito della premiazione

La Consegna de Lo Palio

Celebrazione eucaristica e consegna del Palio al Castello Vincitore

Ore 21:30
la fine della disfida

La Cena de la Pace

Cena dei castelli a sancire la fine dei giochi.

Leggi Francesco Dal Co, Oliviero Toscani e Sergio Leone ad Asolo Persinsala

Continuano gli appuntamenti con Asolo Film Festival 2010.

Domani, giovedì 2 settembre, presso il meraviglioso Museo Canova di Possagno, alle ore 18.30 si terra’ la conferenza di Francesco Dal Co I Musei di Carlo Scarpa.

Dalle ore 21.30, invece, sara’ protagonista l’Auditorium di Altivole, dove verranno ospitati i film della rassegna extra provenienti da It’s My Film Festival.

Leggi Mario Riva e la RAI degli anni d’oro Persinsala

Mario Riva – il cui vero nome era Mariuccio Bonavolontà – nacque a Roma il 26 gennaio del 1913 e morì a Verona tragicamente e prematuramente il 1° settembre di cinquanta anni addietro (nel 1960).

Aveva l’arte nel sangue: era, infatti, il figlio del compositore napoletano Giuseppe Bonavolontà (autore della canzone “Borgo antico”, cantata tra l’altro da Claudio Villa e dedicata ad Antrodoco, il paese della provincia di Rieti ove era nata la madre Teresina, luogo molto amato da Mario Riva, che lo ricambiò caldamente).

Genuino e simpatico, con la sua caratteristica cadenza dialettale romana si mosse abilmente tra la rivista d’avanspettacolo e il teatro di varietà – fece parte della compagnia di Totò che egli considerava «l’unico e vero maestro», e lavorò con Peppino De Filippo e Pupella Maggio -, tra la commedia musicale e il cinema, tra la radio e la televisione, raggiungendo in ogni campo risultati straordinari. Era tra l’altro un uomo dotato di senso di solidarietà e giovialità: durante la seconda guerra mondiale (attivo a Zara nel corpo dei Bersaglieri) si prodigò negli spettacoli per le truppe, riuscendo a sollevare lo spirito dei nostri soldati.

Inizialmente lavorò in coppia con l’attore di varietà Riccardo Billi (chi non ricorda il binomio “Billi e Riva”, famoso in tutta l’Italia del tempo), ed entrambi erano così bravi che non era facile stabilire chi fosse il comico e chi la spalla. Allo stesso modo che per molti attori della sua generazione, il suo esordio avvenne alla radio nel 1938: degne di nota la sua partecipazione con Giulietta Masina alla popolare trasmissione “Il Terziglio” (1942-1943) – che vedeva tra gli autori anche Federico Fellini, Marcello Marchesi e Dino Falconi -, e quelle a “Oplà” (1949) e a “Ventiquattresima ora” (1958-9).

Grazie alle riviste dei giovani autori emergenti Garinei e Giovannini, interpretate insieme a Billi e ai più noti interpreti del momento, raggiunse negli anni ’50 grande fama in Italia ove era ormai considerato uno dei comici più acuti e divertenti; tra le più importanti commedie musicali da lui interpretate, sono da ricordare: “La bisarca” (1950), “Alta tensione” (1951), “I fanatici” (1952), “Caccia al tesoro” (1953), “Siamo tutti dottori” (1954), “La granduchessa e i camerieri” (1955), e “Gli italiani sono fatti così” (1956). Nello stesso periodo, girò più di cinquanta film con i più grandi attori italiani del tempo (Totò, Alberto Sordi, Vittorio De Sica e Aldo Fabrizi); sono da ricordare: “Totò al giro d’Italia” (1948), “Yvonne la nuit” (1949), “I cadetti di Guascogna” (1950), “Arrivano i nostri” (1951), “Altri tempi” (1952), “Anni facili” (1953), “Accadde al commissariato” (1954), “Bravissimo!” e “Accadde al penitenziario” (1955), “I giorni più belli” (1956), “Serenata per sedici bionde” (1957), “Domenica è sempre domenica” (1958), “Policarpo, ufficiale di scrittura” (1959), e “Il vigile” (1960).

Nel 1947 incontrò Diana Dei (1914-1999), attrice di cinema e teatro, che divenne l’amata compagna nella vita e sul palcoscenico (era separata, in attesa di annullamento) e che dopo la scomparsa del marito fondò in sua memoria la “Scuola Mario Riva”, nella quale insegnava recitazione. Da lei nel 1951 Riva ebbe il figlio Antonello, divenuto un noto regista di programmi televisivi.

Nasceva intanto la televisione. Dopo aver partecipato alle trasmissioni “Un, due e tre”, “Duecento al secondo” e “La piazzetta”, nel 1957 Riva fu chiamato a condurre “Il Musichiere” (su testi di Garinei e Giovannini, dal format americano “Name that tune”), storica trasmissione televisiva – tuttora rimpianta da molti delle vecchie generazioni – che consisteva in un vivace quiz musicale televisivo, trasmesso dallo “Studio Uno” di Via Teulada ogni sabato e sino al 1960, anno della morte del grande conduttore.

Mario Riva vi cantava la sigla “Domenica è sempre domenica” di Gorni Kramer, divenuta emblema e metafora della televisione italiana monocanale in bianco e nero, quella dagli ascolti altissimi, vista dalla quasi totalità degli italiani e capace di svuotare cinema e teatri. Riva seppe trasformare il suo banale ruolo di conduttore conferendogli un carisma particolare ed ebbe il merito di presentare alla platea come ospiti d’onore tutte le maggiori celebrità nazionali e internazionali che – costretti a cantare – venivano introdotti con l’indimenticabile frase «Nientepopodimenoche» (e con loro Riva si esibiva in duetti esilaranti). E a tutti veniva consegnata la caratteristica “mascotte” del Musichiere. Lanciò come vallette nella sua trasmissione delle ragazze simpatiche che divennero tutte brave attrici (Lorella De Luca, Alessandra Panaro, Carla Gravina, Patrizia Della Rovere, Marilù Tolo e Brunella Tocci).

Nel pieno fulgore di anni (aveva appena 47 anni) e di attività, il 21 agosto del 1960, durante le prove del festival del Musichiere presso l’Arena di Verona (manifestazione che consentiva ai compositori dilettanti la possibilità di inviare un proprio componimento e di vedere il proprio pezzo – se scelto – musicato e cantato da professionisti durante le tre serate del festival), cadde tragicamente in una botola aperta sul palcoscenico riportando gravissimi traumi. Deceduto il 1º settembre per complicanze cardio-polmonari, fu sepolto nel Cimitero Monumentale del Verano.

Il compianto fu enorme (ai suoi funerali parteciparono più di 250.000 persone) perché Mario Riva, protagonista assoluto del mondo dello spettacolo e amato beniamino del pubblico, rappresentava per la sua simpatia il vero “Grande Amico” dei telespettatori, che lo consideravano uno di loro. Finiva così la vicenda umana di Riva e si chiudevano per sempre i suoi occhi lievemente strabici (disse una volta: «Gli occhi storti ce l’hanno in tanti, ma il mio è lo strabismo di Venere»).

Manifestazioni di ricordo si terranno nella basilica del Sacro Cuore di Maria in Piazza Euclide a Roma, ove si svolse il suo funerale. Grande tifoso della Lazio (al pupazzo del “Musichiere” faceva spesso indossare la maglia della sua adorata squadra bianco-celeste), fu consigliere della Società Sportiva Lazio che – insieme al Circolo Canottieri Lazio, alla Fondazione “Gabriele Sandri” e all’Ufficio Sport del Comune di Roma – ne celebrerà il cinquantenario dalla morte (durante la messa di commemorazione, saranno presenti il labaro della S.S. Lazio e il vessillo del CC Lazio).

In suo ricordo, il 4 settembre, Raitre trasmetterà in prima serata un ritratto appassionante di Mario Riva, preparato da Giancarlo Governi.

Leggi Mouse d’Oro 2010 alla Mostra del Cinema di Venezia Persinsala

Istituito dalla Hideout, il Mouse d’Oro sara’ presente come premio ufficiale collaterale alla 67 Mostra Internazionale del Cinema di Venezia e verra’ assegnato da una giuria formata dai collaboratori delle migliori webzine italiane di cinema presenti alla rassegna,.

Oltre al Mouse d’Oro, che premiera’ il miglior film del concorso ufficiale, sara’ assegnato anche il Mouse d’Argento destinato alle altre sezioni.

Lo scorso anno, VeNews (daily ufficiale del festival di Venezia) pubblico’ la classifica del Mouse: i vincitori furono Todd Solondz con Perdona e dimentica e Frederick Wiseman con La Danse.

Ulteriori informazioni sul sito ufficiale, su Facebook e su twitter.

Leggi Viola di mare Persinsala

La storia di due donne innamorate nella Sicilia dell’Ottocento, fa da sfondo all’esposizione curata, patinata e ben coreografata (retorica?), di un territorio dall’impatto spettacolare, a metà fra le ambientazioni fantasy e la pittura impressionista, senza che a tutto questo corrisponda un vero corpo narrativo e tematico, che valga la pena conoscere, oltre che guardare.

Sì perché nell’opera (pur confezionata con stile gradevole) di Donatella Maiorca (già regista di un’altra Viol@, nel 1998 con Stefania Rocca) manca il crudo, la puzza e l’olezzo della tragedia/dramma amoroso che si pretende di raccontare, e che invece rimane solo fatalmente esposto, lasciato lì ad autogiustificarsi in virtù del suo essere scandaloso, a prescindere da come lo si racconti (grave errore), insieme alla presunzione di cavarsela mostrando cospicue porzioni di pelle nuda attorcigliata, mentre è chiaro che le geometrie sessuali da sole non bastano a scalfire l’alone di distanza che impedisce all’opera di “mischiarsi” col sudore degli impulsi.

Finisce che il pretenzioso film, prodotto da Maria Grazia Cucinotta, si squaderna in una serie di immagini precettistiche, che semplificano i già semplici simbolismi mai veramente ispessiti, (lo scarafaggio sul vestito da sposa di Sara – Ragonese- e sul pasto di Angela – Solarino, la reclusione di Angela nel buco- utero, evocata come un momento topico di punizione, ed emblema di rinascita a nuova vita e a nuovo sesso). Le intenzioni si depotenziano, le finalità si sgonfiano e la delicatezza si vanifica, perché “tutto è lì”.

Le pur notevoli interpretazioni rese da un bel cast di attori (persino la Cucinotta stessa si salva!), non riescono tuttavia a penetrare quel velo di formalismo che ammanta una produzione visivamente sorvegliata, e trascurata nei dialoghi (affrettati, a tratti monchi e lapidari) come nel montaggio, che pur giocandosi di tanto in tanto la carta ravvivante del flashforward , non riesce a scrollarsi di dosso la pesantezza dell “anchilosato” trattenuto, non del tutto fluido nel raccordare in modo significativo gli eventi.

La conclusione viene poi a suggellare e confermare il senso di arraffazzonamento di fondo, allorquando la morte di Sara sopraggiunge in modo repentino, mal dosato e priva di impatto emotivo (un bel problema, per un film che, non volendo essere storico, fa(rebbe) dell’emozionalità la sua stella polare), e si consacra all’incompiuto attraverso la soluzione della “didascalia” finale, “l’istruzione per l’uso” che compare sullo schermo nero quando il film è bell’e finito; Viola di mare è un pesce ermafrodita che “muta di sesso per amore”. E per saperlo, abbiamo dovuto aspettare una scritta in sovrimpressione, giacchè il film, da solo, non è riuscito a dircelo.

Viola di Mare: Da guardare (solo guardare).

Voto:5

REGIA: Donatella Maiorca
SCENEGGIATURA: Mario Cristiani, Donatella Diamanti, Donatella Maiorca, Pina Mandolfo
ATTORI: Valeria Solarino, Isabella Ragonese, Ennio Fantastichini, Lucrezia Lante della Rovere, Maria Grazia Cucinotta
FOTOGRAFIA: Roberta Allegrini
MONTAGGIO: Marco Spoletini
PRODUZIONE: Maria Grazia Cucinotta, Giovanna Emidi, Silvia Natili, Giulio Violati per la ITALIAN DREAMS FACTORY srl
DISTRIBUZIONE: Medusa
PAESE: Italia 2008
GENERE: Drammatico
DURATA: 105 Min
Soggetto:
di Pina Mandolfo liberamente tratto dal romanzo di Giacomo Pilati “Minchia di re”.